3. MUSESCORE

En la entrada de hoy vamos a estar haciendo una revisión del software musescore, un  programa de notación musical de código abierto que permite, entre otras cosas, crear partituras de manera digital.

Durante esta tercera tarea, nuestro objetivo principal fue familiarizarnos con el funcionamiento del software mediante la creación de nuestras propias partituras. En este proceso, examinamos detenidamente sus ventajas, desventajas y las posibles aplicaciones didácticas. A lo largo de una serie de actividades, exploramos las funcionalidades que Musescore ofrece, permitiéndonos poco a poco realizar un análisis crítico más profundo de esta herramienta.

En cuanto al proceso de descarga e instalación de Musescore, es importante destacar que se trata de un software que no opera directamente en línea, sino que debe ser descargado e instalado en el ordenador. Para esto, tuve que dirigirme al sitio web oficial de Musescore, donde se proporcionan opciones para descargar la versión compatible con el sistema operativo de tu ordenador, en este caso use la versión 4 del programa, la cual, al ser la más reciente hasta el momento, nos ofreció las últimas funcionalidades y mejoras en comparación con versiones anteriores. Una vez descargado el archivo, la instalación es un proceso  bastante intuitivo, ya que incluye un asistente de instalación que te indica los pasos a seguir.

ACTIVIDADES:

IMPORTANTE: Todos los enlaces a los archivos de las partituras, ya sea en formato digital en PDF o en audio WAV, se encuentran dentro de la carpeta de Google Drive a la que te llevará el enlace adjunto.

ENLACE: Archivos_Musescore

1. EDITAR UNA MELODÍA DEL CANCIONERO DE ED. PRIMARIA O INFANTIL

La primera tarea consistió en seleccionar una canción popular infantil y realizar su transcripción en Musescore. Este procedimiento implicó elegir una melodía reconocida del repertorio de Educación Primaria o Infantil y luego notar cada elemento musical en la plataforma.

Después de buscar en diversas fuentes, decidí trabajar con la canción "La Pastoreta" por varias razones. En primer lugar, es ampliamente reconocida en los cancioneros populares catalanes y valencianos, además de tener una relevancia cultural significativa. Por otro lado, la simplicidad de su melodía me facilitó la transcripción con Musescore, dándome la oportunidad de explorar las funcionalidades del programa con una pieza musical conocida y accesible. Otro factor que simplificó la transcripción fue su estructura musical claramente definida en frases y semifrases. Esta organización distintiva resultó fundamental, ya que proporcionó una visión clara de la forma musical al transcribir la canción, mejorando así la experiencia de uso del programa.

Una vez finalizada la edición, exporté la partitura en varios formatos, incluyendo PDF,  para poderlo tener tanto en formato digital como impreso, y archivos de audio en formato WAV, pese a que ofrece diversas opciones de exportación, como MIDI o MP3,  entre otros. Poder guardar el proyecto tanto en la versión visual como en la auditiva es otro aspecto a tener en cuenta en cuanto a la versatilidad del programa.

Mi intención inicial es que la melodía sonara a piano, sin embargo, al seleccionar el piano como instrumento, el software generaba automáticamente dos pentagramas, uno en clave de sol y otro en clave de fa. Dado que mi objetivo era trabajar con un único pentagrama en clave de sol, decidí inicialmente seleccionar la flauta ya que el programa permite, posteriormente, cambiar el instrumento manteniendo este único pentagrama. A pesar de que desde el principio no fue posible generar un único pentagrama de piano al seleccionar este instrumento en Musescore, el programa sí que permite un cambio de instrumento de forma sencilla.

Con todo, pese a que ya había tenido experiencia usando el programa en asignaturas anteriores, esta primera toma de contacto con el software fue bastante positiva ya que pude refrescar mi manejo con la herramienta y comenzar a anotar aspectos que, quizás en experiencias anteriores, no había explorado completamente.

2. AÑADIR UNA SEGUNDA VOZ

En esta segunda tarea, que consistió en añadir una segunda voz a la melodía de la canción ya transcrita, opté por duplicar la melodía original utilizando la función de copiar y pegar en la nueva partitura, para así evitar recrearla desde cero y poder continuar el trabajo desde ese punto.

Luego, introduje una nueva voz en la partitura, designándola como "Player 2" en Musescore. Aunque Musescore permite agregar notas encima de otras, es esencial utilizar la función "Player 2" para crear una segunda voz. Esta herramienta no solo contribuyó a la claridad visual en la partitura, simplificando la interpretación de ambas líneas melódicas, sino que también posibilitó la reproducción y audición diferenciada de cada voz. Asignar una voz específica a "Player 2" me permitió escuchar cada melodía individualmente, facilitando la evaluación y perfeccionamiento de ambas. Esta funcionalidad me permitió jugar y experimentar con el contrapunto, para asegurarme de que ambas voces armonizaban y sonaban de acuerdo con mis preferencias al combinar las dos líneas melódicas con ritmos distintos para ir creando una textura musical más rica.

Asimismo, el propio software Musescore ofrece la posibilidad de asignar un color diferente a "Player 2", lo que facilitó la identificación de cada voz en la partitura, mejorando la comprensión de la interacción entre ambas líneas melódicas al poderlas diferenciar mejor visualmente. A pesar de que la asignación de colores se realiza nota a nota, y puede resultar un proceso algo engorroso, esta característica adquiere un valor significativo, especialmente al considerar su potencial aplicación didáctica en el recurso que hemos creado. 

Una vez completada la tarea, procedí a exportar el proyecto en distintos formatos. Al igual que en la actividad anterior, generé un archivo en formato PDF para conservar la representación gráfica de ambas voces y facilitar su visualización e impresión y otro archivo de audio Wav.

3. MELODÍA CON PERCUSIÓN

Para la tercera actividad, la tarea era incorporar percusión a la melodía original utilizando instrumentos que estuvieran disponibles en los centros, con el propósito de crear una composición que fuera adecuada para trabajar con los alumnos en el aula.

Musescore ofrece una amplia variedad de instrumentos organizados tanto por familias como por filtros de estilos de música, como jazz, pop, rock, entre otros. En el caso de la percusión, dispone de instrumentos que van desde percusión afinada hasta indeterminada e incluso percusión corporal. En mi elección, opté por utilizar instrumentos de percusión de sonido indeterminado, como bongos, güiro, pandereta, maracas y triángulo, habitualmente disponibles en el aula de música de cualquier centro educativo.

El objetivo principal del uso de la percusión no era utilizarla simplemente como elemento de acompañamiento de la melodía, sino como un recurso pedagógico estratégico que nos puede servir para trabajar diferentes aspectos musicales.

La estructura de la canción está compuesta por dos frases de 8 compases, subdivididas en dos semifrases de 4 compases cada una. Con el objetivo de destacar y diferenciar el cambio entre cada semifrase, utilicé la percusión incorporando patrones rítmicos distintivos que sirvieran como una guía auditiva clara. En este contexto, empleé el triángulo como un elemento clave para identificar y marcar el final de cada semifrase mediante una corchea en el segundo tiempo del último compás, mientras que el resto de la percusión marcaba una negra. Este recurso no solo lo utilicé para ayudar a la diferenciación auditiva de la estructura, al proporcionar señales de estas transiciones, sino también para lograr una diferenciación visual en la partitura.

En cuanto al uso de desafíos rítmicos, evité ritmos excesivamente complicados, pero incorporé elementos como el tresillo y el contratiempo para que fueran accesibles pero estimulantes para involucrar a los estudiantes de manera más activa, fomentando así la atención y el desarrollo de habilidades rítmicas de manera gradual. 

En líneas generales, el acompañamiento con percusión mantiene un ritmo algo repetitivo. No obstante, he diseñado así la estructura con la intención de utilizar el archivo de audio  WAV que se puede generar con la partitura para trabajarlo en actividades que impliquen aspectos como mantener el tempo, ya sea caminando o trotando. Porque un aspecto a destacar del programa es que permite generar un archivo de audio de la partitura  más o menos rápido según el valor que le demos a la negra. Esta consideración se alinea con enfoques pedagógicos como el método Dalcroze, donde trabajar con el tempo a través del movimiento corporal es fundamental para desarrollar la percepción rítmica y la capacidad de mantener un tempo constante para internalizar tanto el tempo como la relación entre la expresión corporal y las estructuras rítmicas. 

Otro aspecto pedagógico interesante es percudir la melodía. Observamos cómo en algunas partes el ritmo de la melodía con el de la percusión. Un ejemplo claro de esto se observa en el papel del güiro, este instrumento mantiene un tempo más constante, siendo el único que no va a contratiempo, y marca el ritmo en conjunto con la melodía. Esto resulta beneficioso porque al percudir la melodía, el alumnado no solo está practicando la ejecución de esta, sino que también está desarrollando su capacidad para mantener y seguir un ritmo constante al sentir la relación entre las notas y los ritmos.

Sin embargo, es importante reflexionar sobre cómo este enfoque, aunque beneficioso pedagógicamente, puede resultar monótono desde un punto de vista artístico. En términos artísticos, mantener un ritmo constante entre la melodía y la percusión a lo largo de toda la canción podría crear una sensación de uniformidad y falta de variedad. Es por eso que opté por no hacer coincidir el ritmo del güiro con la melodía en todas las partes. Así mismo, los otros instrumentos enriquecen la textura musical al usar contratiempos y variaciones rítmicas.

4. MELODÍA BINARIA Y TERNARIA CON PIANO EMPLEANDO LOS MÓDULOS DE ACOMPAÑAMIENTO

La cuarta actividad nos llevó a transcribir dos ejemplos de módulos de acompañamiento al piano diseñados tanto para melodía binaria como ternaria. Estos los copiamos del ejemplo que nos proporcionó el profesor y estaban destinados a ser utilizados con los grados primero, cuarto y quinto. Este ejercicio nos permitió seguir mejorando nuestra destreza con el software.

Paralelamente, durante este proceso, surgió la reflexión sobre la importancia de crear nuestros propios módulos de acompañamiento. Como docentes, contar con una biblioteca personal de acompañamientos es una herramienta muy enriquecedora, ya que al crear y almacenarlos podemos acceder rápidamente a recursos listos para su uso en el aula sobre cualquier canción, agilizando así el proceso.

El objetivo ahora era jugar con estos módulos para crear en Musescore dos acompañamientos para una melodía binaria y otra ternaria, respectivamente. Para esto, tuvimos que analizar previamente los grados tonales de la melodía y seleccionar y aplicar los acordes correspondientes.

En el caso de la melodía binaria, elegí trabajar con la canción "La Pastoreta", que ya había sido previamente transcrita y estaba en compás de 2/4. Para la melodía ternaria, opté por la canción "El Mariner", manteniendo el mismo criterio de selección que tuve para la binaria, eligiendo una canción popular infantil reconocida dentro del cancionero valenciano, con una estructura en compás de 3/4.

Además de aplicar los módulos de acompañamiento, también tuve que cuidar algunos aspectos clave. En primer lugar, me enfoqué en evitar que la melodía quedara vacía, utilizando el acompañamiento para rellenar adecuadamente los espacios en blanco y crear una continuidad sonora. En segundo lugar, presté atención a los saltos en el piano y utilicé notas comunes siempre que fuera posible para lograr transiciones fluidas que fueran prácticas y accesibles para luego poder tocarlas.

5. CREAR 10 DICTADOS MUSICALES, 5 RÍTMICOS Y 5 MELÓDICOS

DICTADOS RÍTMICOS

Fundamentación de la secuencia de los 5 dictados rítmicos:

Cabe destacar que todos los dictados se inician con una claqueta marcada por las claves que percuten 4 negras. De esta forma, lo que se pretende es preparar al alumnado al tempo y alertarlos sobre el inicio del ejercicio. Esta introducción proporciona una señal auditiva clara y estructurada que ayuda a los estudiantes a sincronizarse antes de comenzar, estableciendo un punto de referencia temporal consistente para cada dictado. Además, he decidido mantener el compás 2/4 a lo largo de la progresión porque he optado por centrarme en las variaciones rítmicas sin complicar innecesariamente la estructura. Esto facilita la comprensión y aplicación de las nuevas figuras dentro de un marco conocido, permitiendo a los estudiantes concentrarse en los cambios y desafíos específicos introducidos en cada dictado.

DICTADO 1: Ritmo simple (Compás 2/4, Negra a 120)

En este primer dictado, se presenta a los alumnos un ritmo simple y familiar basado en la canción "choco choco la la", haciendo uso únicamente de figuras sencillas como la negra y las corcheas. El objetivo es comenzar con algo reconocible para los estudiantes, por eso, este patrón rítmico, que suele ser cantado y marcado con las palmas, establece una conexión directa con experiencias previas, permitiendo que los alumnos se sientan cómodos y motivados desde el principio de la actividad.

Por otro lado, decidí usar un compás de 2/4 con la negra a 120 para darle un tempo moderado que permita seguir y sentir el ritmo, ya que és el más rápido de los 5 al trabajar con figuras más simples.

DICTADO 2: Variación con Pausas (Compás 2/4, Negra a 110)

En este, se introduce una variación del ritmo anterior al doblar las figuras y añadir pausas o silencios. Las negras se convierten en corcheas, y las corcheras en semicorcheas, incorporandolas como nueva figura Este dictado amplía la paleta rítmica de los estudiantes, desafiándolos con nuevas duraciones y pausas estratégicamente ubicadas. Los silencios están colocados en el tiempo débil de cada compás, con la intención de preparar a los estudiantes para el siguiente dictado. Esta estrategia busca contrastar las pausas en tiempos débiles con los silencios en tiempos fuertes, que se explorarán en el Dictado 3, introduciendo así el concepto de contratiempo y permitiendo a los estudiantes experimentar y comprender la diferencia entre ambos conceptos.

Se mantiene en compás de 2/4, pero la velocidad disminuye ligeramente, con la negra ahora establecida en 110. Esta modificación en el tempo se realiza considerando la introducción de las semicorcheas, una nueva figura que amplía la complejidad rítmica. Además, al mantener el mismo compás, se fomenta la continuidad en la comprensión del ritmo, centrándose específicamente en la incorporación de las semicorcheas y los silencios como elementos novedosos.

DICTADO 3: Contratiempo (Compás 2/4, Negra a 100)

En este tercer dictado, el objetivo principal es introducir el concepto de contratiempo, cambiando el silencio de tiempo débil a tiempo fuerte. Con el propósito de consolidar la comprensión de este nuevo elemento rítmico, se opta por no introducir figuras nuevas en este dictado, permitiendo que los estudiantes se concentren exclusivamente en asimilar el concepto de contratiempo.

Manteniendo el compás de 2/4, la velocidad disminuye ligeramente a una negra de 100, brindando a los alumnos el tiempo necesario para explorar y comprender la alteración en la colocación de los silencios y su relación con el tiempo fuerte. Este enfoque progresivo y estructurado sienta las bases para el próximo dictado, donde se explorarán las síncopas.

DICTADO 4: Síncopas (Compás 2/4, Negra a 90)

En este dictado, se introducen las síncopas, repitiendo el patrón corchea-negra-corchea para facilitar su comprensión inicial, ya que es el ejemplo clásico y más sencillo de síncopa. En este caso, la corchea inicial comienza en un tiempo fuerte, pero la nota siguiente, una negra, se coloca en un tiempo débil. Luego, la segunda corchea regresa al tiempo fuerte. Este patrón específico ayuda a los estudiantes a visualizar y experimentar la síncopa. La elección de repetir solo este patrón se ha hecho estratégicamente para consolidar la idea de síncopa en la mente de los alumnos antes de introducir patrones más complejos.

En cuanto a la incorporación de nuevos ritmos, he decido introducir la corchea seguida de dos semicorcheas en el mismo tempo, para reconocer y ejecutar patrones rítmicos más complejos.

DICTADO 5: Combinación Contratiempo y Síncopas (Compás 2/4, Negra a 80)

El último dictado representa el desafío máximo al combinar los elementos aprendidos en los dictados 3 y 4. Aquí, se aplica tanto el contratiempo como las síncopas en una secuencia más avanzada. Además, se incluyen todas las figuras rítmicas que se han abordado desde la blanca hasta la corchea seguida de dos semicorcheas, ofreciendo una práctica completa de la variedad de duraciones y patrones rítmicos explorados a lo largo de la progresión. La reducción del tempo a 80 BPM permite que los estudiantes se enfoquen en la complejidad de la combinación rítmica.

DICTADOS MELÓDICOS

Fundamentación de la secuencia de los 5 dictados melódicos:

Realizaremos 5 dictados con 5 instrumentos diferentes para diversificar el timbre y hacer el ejercicio más atractivo, evitando que los estudiantes se acostumbren a un único sonido. Al dedicar 20 minutos a cada dictado con el piano, al mismo tempo y en la misma tonalidad, no favorecemos la discriminación auditiva, por lo que resulta interesante variar.

Cabe destacar que el tempo de cada dictado se ajusta a la dificultad, utilizando figuras sencillas para centrar la atención en la melodía y evitar que el ritmo sea una dificultad adicional. Todos los dictados comienzan con la nota Sol como referencia, y al inicio de cada uno, los estudiantes escucharán su nota inicial seguida de un compás de silencio para mantener su atención.

Es importante señalar que los dictados se basan en la escala de Do Mayor, pero algunos están transportados a diferentes tonalidades, utilizando el Do móvil, para evitar que los estudiantes se acostumbren a una única tonalidad y fomentar la adaptabilidad auditiva.

DICTADO 1: SOL Y MI

El primer dictado de la secuencia lo empezamos con las dos notas más reconocibles y simples de la cultura occidental el sol y el mi. Así pues, tomaremos estas como punto de partida de nuestra secuenciación para que tenga una progresión lógica y ordenada a la que iremos añadiendo nuevas notas para ampliar la complejidad y estimular la discriminación auditiva.

En nuestra cultura occidental, comenzar las canciones por la nota Sol es una práctica bastante común, ya que nuestro oído está acostumbrado desde muy pequeños a escuchar canciones que empiezan por la tónica (Sol en la escala de DO M). En este caso, lo que pretendemos empezando el dictado por Sol es que sirva como referencia del tono central.

El intervalo de 3ª menor que forman, en este caso, el mi y el sol es el más utilizado por los niños en cancioneros infantiles, por lo tanto, al resultarles familiar les resulta más sencillo de entender y recordar.  

La elección de iniciar la secuencia de dictados melódicos en Do Mayor con el piano se basa en la familiaridad y simplicidad para el alumnado. 

DICTADO 2: LA, SOL, MI

Introducimos la secuencia La Sol Mi para agregar variación. Esta secuencia incorpora la práctica de la cuarta justa 'mi-la', preparando el oído para saltos de 4ª justa ascendente y descendente. La repetición de La, Sol, Mi en diferentes combinaciones ayuda a consolidar la memoria auditiva y la identificación de patrones melódicos. 

El dictado está tocado por un oboe.

DICTADO 3: FA COMO NOTA DE PASO

En el tercer dictado, introducimos el Fa como nota de paso junto con el Do. Además está en la tonalidad de Re Mayor para dar una variación tonal a la secuencia y evitar la monotonía. 

El Fa actúa como una nota de conexión entre el Mi y el Sol, como nota intermedia para enlazar intervalos principales. A parte jugamos con el Do móvil, aunque la tonalidad cambie a Re Mayor, la presencia del Do móvil les permite mantener una referencia auditiva constante y comprender cómo una nota específica puede mantenerse móvil incluso en diferentes tonalidades.

El dictado está tocado por un clarinete.

 

DICTADO 4: RE COMO NOTA DE PASO

En el cuarto dictado, introducimos el Re como nota de paso para continuar la transición entre las notas familiares. Los saltos interválicos presentes son los que los estudiantes han estado practicando desde el primer dictado de la secuencia, principalmente las terceras menores (sol-mi, mi-sol). Este dictado está en Fa Mayor y en compás 3/4, con el objetivo de trabajar también los ritmos ternarios en la secuencia, ampliando así la experiencia auditiva y rítmica de los estudiantes.

El dictado está tocado por una flauta.

DICTADO 5: SI COMO NOTA DE PASO 

En este quinto dictado, incluimos el Si como nota de paso, cubriendo todas las notas de la escala de Do Mayor, pero manteniendo los saltos interválicos trabajados anteriormente. Este dictado proporciona una mayor complejidad melódica sin cambiar los intervalos básicos practicados previamente.

REFLEXIÓN FINAL: VENTAJAS E INCONVENIENTES DEL PROGRAMA

Os dejo el enlace a un genially donde podréis encontrar los pros y contras del software. Para descubrir toda la información interactúa con la presentación presionando sobre los ticks y las cruces para saber más

LINK: Musescore_ProsContras