4. PLATAFORMAS DIGITALES

En la entrada de hoy vamos a estar comparando dos de las plataformas digitales para reproducir música más conocidas en el mercado actual. Así pues, iremos profundizando en las características y detalles de estas plataformas para analizar sus ventajas e inconvenientes.

1. DEEZER:

Deezer ofrece distintos niveles de calidad de audio adaptados a sus planes de suscripción. Desde básico a estándar, alta calidad y alta fidelidad. En sus suscripciones estándar, emplea principalmente archivos en formato de compresión con pérdida, específicamente en formato MP3. Este formato comprime el archivo de audio para reducir su tamaño y facilitar la transmisión en línea. La calidad de estos archivos alcanza hasta 320 kbps, que satisface las necesidades de la mayoría de los oyentes.

¿Qué significa esto? Al referirnos a la calidad de audio en términos de "kbps" (kilobits por segundo), hablamos de la tasa de bits a la cual se reproduce la música. Cuantos más kilobits por segundo tengamos, generalmente mejor será la calidad del audio. En este caso, los 320 kbps representan la tasa de bits más alta comúnmente encontrada en plataformas de música en streaming,

No obstante, Deezer también ofrece planes HIFI, los cuales incluyen la opción de formato de audio libre sin pérdida, conocido como FLAC. Este formato proporciona una tasa de bits de 1411 kbps, ofreciendo un sonido de alta fidelidad que asegura mantener la calidad del CD, como si estuvieras en el propio estudio de grabación. Para entender mejor esto, podemos imaginar a Deezer utilizando una maleta grande y espaciosa llamada FLAC. Al introducir la canción en esta maleta, no se elimina ningún detalle; así, todos los matices, desde los tonos más suaves hasta los bajos, se mantienen intactos. Cuando llega el momento de reproducir la música, esta maleta grande se abre y se obtiene exactamente la misma calidad que teníamos antes de introducir la canción. En resumen, Deezer, al utilizar FLAC, garantiza que no se pierda calidad durante el proceso de compresión y descompresión, ofreciendo una experiencia de escucha fiel y de alta calidad en todo su catálogo musical. Pero también es importante tener en cuenta que para disfrutar plenamente de esta calidad de audio HIFI, se necesita contar con el equipo de reproducción adecuado. Además, Deezer también ofrece una experiencia musical llamada "360 Reality Audio", un tipo de música binaural con sonido espacial envolvente y tridimensional, lo que significa que el sonido parece provenir de todas direcciones, ofreciendo una experiencia más inmersiva y realista exclusiva para los usuarios de pago.

¿De qué manera podemos apreciar la calidad de este sonido de alta fidelidad sin pérdidas? La música electrónica, pop y rock actual ha avanzado significativamente en cuanto a su calidad, incluso al escucharla en formato estándar, debido a numerosos avances. Sin embargo, al compararla, por ejemplo, con discos antiguos o música clásica, se percibe la diferencia en la calidad al revelar detalles y texturas que podrían no ser tan evidentes en formatos comprimidos.

Se aprecia un equilibrio mejorado, una riqueza tonal y una mayor cantidad de matices, lo que permite descubrir elementos sonoros que no se encuentran tan destacados en otros servicios de transmisión. Las voces del coro se escuchan más definidas, y hay una separación más clara de los instrumentos en las pistas de mayor energía, lo que contribuye a una experiencia auditiva más inmersiva.

VENTAJAS E INCONVENIENTES:

Os dejo el enlace a un genially donde podréis encontrar los pros y contras de la plataforma. Para descubrir toda la información interactúa con la presentación presionando sobre los ticks y las cruces para saber más

LINK: Deezer_ProsContras

2. SPOTIFY

Spotify se posiciona como la plataforma de reproducción digital líder en el streaming musical. No obstante, algunos usuarios han destacado como inconveniente su calidad de audio, al no ofrecer la opción de audio Hi-Fi.

En términos de formato de audio, Spotify utiliza principalmente Ogg Vorbis, un códec de compresión con pérdida. Aunque este formato proporciona una calidad de sonido generalmente buena y es adecuado para la mayoría de los oyentes, carece de la capacidad sin pérdidas que ofrece FLAC (Free Lossless Audio Codec). Este último conserva toda la información original del audio, asegurando una reproducción fiel a la grabación original, lo cual si se dispone de un buen equipo de reproducción, puede ser una diferencia considerable.

La diferencia en la calidad de audio entre los usuarios gratuitos y los suscriptores Premium de Spotify es notable. Mientras que los usuarios gratuitos experimentan una tasa de bits máxima de 160 kbps, los suscriptores Premium disfrutan del doble de calidad, alcanzando los 320 kbps. Aunque esta mejora es satisface las necesidades de muchos oyentes, incluso el plan premium de Spotify no se acerca a la opción ofrecida por plataformas como Deezer, la cual al ofrecer planes específicos Hi-Fi con formatos como FLAC y tasas de bits de 1411 kbps, supera significativamente la calidad de audio proporcionada por Spotify.

VENTAJAS E INCONVENIENTES:

LINK: Spotify_ProsContras

3. PLAYLISTS EN SPOTIFY

1. AGÓGICA:

ENLACE: Agógica_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

La playlist ha sido diseñada con el propósito de explorar el concepto de agógica en el ámbito de la educación musical primaria. La secuencia de las canciones se ha establecido de manera significativa, comenzando con tempos más lentos y avanzando hacia tempos más rápidos.

La selección de las canciones se ha fundamentado principalmente en la pulsación y el desarrollo rítmico, con el objetivo principal de que los estudiantes interioricen y controlen el tempo, manteniendo una pulsación constante. La estrategia de iniciar con obras de tempo muy lento, como "Clair de Lune" de Claude Debussy, permite introducir de manera gradual conceptos más avanzados, como la subdivisión, para que los alumnos puedan sostener el tempo de manera efectiva incluso en situaciones más desafiantes. Así pues, el trabajo con la subdivisión en tempos lentos, no solo fortalece la habilidad de mantener el tempo, sino que también prepara a los estudiantes para enfrentar tempos más rápidos con más confianza y precisión.

Del mismo modo, la progresión hacia tempos más rápidos se fundamenta en el perfil activo de los niños de primaria, cuyo ritmo cardíaco tiende a ser naturalmente más acelerado, lo que les permite adaptarse progresivamente a mayores desafíos. La inclusión de obras conocidas y variadas, como el "Tema de Super Mario Bros" y "Pirates of the Caribbean", mantiene el interés de los estudiantes y les brinda experiencias musicales diversificadas.

Largo (20 bpm): "Clair de Lune" (Claude Debussy)
Lento (40-60 bpm): "Nocturno en mi bemol mayor, Op. 9, No. 2" (Chopin)
Adagio (66-76 bpm): "Sarabande" (J.S. Bach)
Andante (76-108 bpm): "Main Titles" (de alguna banda sonora, específica no mencionada)
Moderato (80-108 bpm): "Can't Help Falling in Love" (Elvis Presley)
Allegretto (96-112 bpm): "Super Mario Bros Theme" (Koji Kondo)
Allegro (110-168 bpm): "Pirates of the Caribbean" (Hans Zimmer)
Vivace (121-140 bpm): "Can-Can" de la ópera "Orpheus in the Underworld" (Jacques Offenbach)
Presto (168-200 bpm): Presto del cuarteto Op. 130 de Beethoven
Prestissimo (más de 200 bpm): Perpetuela ms 66 Paganini

2. RITMO BINARIO

ENLACE: RitmoBinario_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Esta playlist se ha diseñado con el propósito de introducir a los estudiantes al concepto de ritmo binario de manera más dinámica. El orden de las canciones en la playlist pretende proporcionar una progresión didáctica que se basa en la complejidad del ritmo binario y la diversidad de estilos musicales.

1. "Funkytown" - Lipps Inc.: Ritmo Binario Regular

Esta canción presenta un ritmo binario regular en un contexto de música dance y funk. Tiene un pulso constante y predecible que facilita la introducción del concepto de ritmo binario permitiendo a los estudiantes sentir y seguir el pulso de manera más sencilla.

2. Super Freak" - Rick James: Ritmo Binario Sincopado

Con elementos de sincopación, especialmente en el bajo, esta canción ofrece una transición natural del ritmo binario regular a uno más complejo, buscando introducir la idea de la síncopa en el contexto del ritmo binario, permitiendo a los estudiantes identificar y experimentar con acentuaciones inesperadas.

3. Sing, Sing, Sing" - Benny Goodman: Ritmo Binario Swing

Esta canción de swing tiene un ritmo binario característico con un patrón de "doble-doble-sencillo", por lo que aporta variedad a la playlist al ser un ejemplo para explorar cómo el ritmo binario puede tener variaciones y subdivisiones asimétricas, exponiendo a los estudiantes al ritmo binario swing en el contexto del jazz.

4. "Blue Suede Shoes" - Elvis Presley: Ritmo Binario Shuffle

Es un clásico de rockabilly que destaca el ritmo binario shuffle en la guitarra y la percusión.

5. "The Stars and Stripes Forever" - John Philip Sousa: Ritmo Binario Militar/Marcha

La introducción de una marcha militar representa un ritmo binario distintivo y familiar. Este cambio hacia un contexto militar ofrece una conexión cultural y destaca cómo el ritmo binario se utiliza en diferentes contextos musicales.

6. My Name Is" Eminem: Ritmo Binario Hip-Hop

Eminem es un destacado rapero y "My Name Is" presenta un ritmo binario con un enfoque en el rap. La canción ofrece una entrada al mundo del hip-hop y al ritmo binario característico de este género.

3. RITMO TERNARIO

ENLACE: RitmoTernario_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

En la playlist de ritmo ternario, cada elección de canción busca proporcionar una experiencia nueva y educativa para el alumnado, explorando diversas manifestaciones del ritmo ternario en diferentes contextos musicales.

1. Potter waltz:

La inclusión de "Potter Waltz" en la playlist de ritmo ternario tiene como objetivo conectar el contexto musical cercano al alumnado, especialmente a través de la reconocida banda sonora de Harry Potter, parte de la música cinematográfica. Por lo que el alumnado, probablemente familiarizado con la saga de Harry Potter, puede aprovechar su conexión emocional con la música de la película para explorar y comprender el ritmo ternario de una manera más práctica y participativa. Así pues, al tratarse de un vals, uno de los estilos más reconocidos dentro de los ritmos ternarios, "Potter Waltz" proporciona una experiencia musical que combina lo familiar y lo educativo.

2. "I Feel Pretty" - Leonard Bernstein:

La elección de esta canción para la playlist tiene como objetivo ofrecer un ejemplo diferente de vals en comparación con "Potter Waltz". Proveniente del musical "West Side Story", esta pieza fusiona elementos de música clásica, jazz y teatro musical, permitiendo a los estudiantes experimentar la versatilidad del ritmo ternario en diferentes estilos.

Comparada con "Potter Waltz", que tiene un tono más mágico y cinematográfico, "I Feel Pretty" ofrece una perspectiva diferente y con esto, podemos fomentar la apreciación de la diversidad musical al exponer al alumnado a diferentes tipos de valses dentro del contexto del ritmo ternario.

3. "Minuetto" de Boccherini:

La elección de incorporar "Minuetto" de Boccherini en esta playlist trata de aportar una forma musical diferente también característica de ritmo ternario. Además, el minueto, con su elegancia y gracia características, no solo ofrece una expresión musical única, sino que también proporciona una conexión con el contexto social de su época al ser una danza social tradicional. Al explorar esta forma musical, los estudiantes tienen la oportunidad no solo de identificar el ritmo ternario, sino también de comprender cómo este ritmo se ha utilizado históricamente en la música social y de entretenimiento.

4. "Mazurca" de Natalia Lombay:

Incluyendo esta pieza presentamos otro ejemplo contemporáneo de este ritmo en una composición actual al poder apreciar como el ritmo ternario también se manifiesta en géneros y estilos modernos. Además, al tratarse de una mazurca, una danza folclórica polaca, se establece una conexión cultural que resalta la influencia del ritmo ternario en tradiciones musicales específicas.

5. Léo Délibes – Lakmé (Dueto de las flores)

La elección de esta pieza, que presenta un compás de 6/8, agrega un plus a la playlist de ritmo ternario. La peculiaridad del compás 6/8 permite que los estudiantes experimenten de manera práctica la dinámica entre el ritmo ternario principal y la subdivisión binaria secundaria. Este tipo de compás proporciona una perspectiva única sobre cómo la música puede combinar y entrelazar estas dos subdivisiones rítmicas.

6. (You make me feel like) A Natural Woman - Aretha Franklin

La inclusión de esta canción en en 3/4 agrega variedad al ofrecer una perspectiva de ritmo ternario diferente y un ejemplo interesante de cómo el ritmo ternario se manifiesta de diversas maneras en la música. Esta elección permite a los estudiantes explorar la fluidez del ritmo ternario en un contexto más contemporáneo y popular, mostrando cómo este patrón rítmico puede adaptarse a diferentes géneros y estilos musicales.

APLICACIÓN DIDÁCTICA DE LAS PLAYLISTS DE RITMO TERNARIO Y BINARIO PARA TRABAR SU DISCRIMINACIÓN:

1. ESTABLECER LA PULSACIÓN

1.1 Introducción al Ritmo Binario:

Reproducimos "Funkytown" de Lipps Inc.
Pedimos al alumnado que lleve la pulsación marcando con las manos o los pies en cada golpe, enfocándose en mantener una pulsación constante.

1.2 Introducción al Ritmo Ternario:

Reproducimos Cambia a "Potter waltz”
Ahora pedimos al alumnado que siga llevando la misma pulsación que estaban marcando al escuchar la canción anterior (ritmo binario). La intención es generar incomodidad al notar que la acentuación no coincide con la pulsación.

2. DISCRIMINACIÓN DE RITMOS

2.1 Evaluación Auditiva:

Reproducimos fragmentos cortos de canciones de ambas playlists de ritmos binarios y ternarios y pedimos al alumnado que identifique si el ritmo es binario o ternario solo escuchando.

2.2 Marcando lo Opuesto:

Al reproducir una canción de ritmo ternario, les podemos pedir que marquen la pulsación binaria. Y viceversa, en canciones de ritmo binario, que marquen la pulsación ternaria
También podemos combinar el marcar con los pies pulsación binaria y ternaria con las manos para enfatizar el contraste entre los ritmos.

3. ACTIVIDAD PRÁCTICA

3.1 Combinación de Pulsación y Acentuación:

En una canción con ritmo binario, les podemos pedir que lleven la pulsación con las manos y acentúen con los pies para reforzar la conexión entre pulsación y acentuación.
Podemos hacer lo opuesto en una canción con ritmo ternario, llevando la pulsación con los pies y acentuando con las manos.

4. JUEGO AUDITIVO Y DE MOVIMIENTO

Podemos reproducir una canción sin anunciar si es binaria o ternaria y pedir al alumnado que escuchen y determinen el ritmo, marcando la pulsación apropiada moviéndose por el espacio.

4. DINÁMICA

ENLACE: Dinámica_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Esta playlist ha sido cuidadosamente seleccionada para ilustrar la evolución de la dinámica a lo largo de diferentes periodos de la música clásica. Cada obra pretende representar una corriente en el desarrollo de las técnicas dinámicas, desde el Barroco hasta el Modernismo Musical. El objetivo es proporcionar una experiencia auditiva educativa y atractiva que permita al alumnado comprender cómo los compositores han utilizado la dinámica como herramienta expresiva a lo largo de la historia.

1. J.S. Bach - Partita No. 3, Preludio:

Representa el Barroco Medio y representa la técnica de "efecto eco" barroco, donde pasajes interpretados inicialmente en forte se repiten en piano, destacando el contraste de intensidad. En esta obra, hay secciones donde se usa la repetición en piano para enfatizar ciertos motivos o frases musicales generando un efecto similar al eco natural

2. George Frideric Handel - "Alla Hornpipe":

Esta obra es un buen ejemplo de la dinámica por terrazas característica del periodo Barroco. Esta técnica se define por el contraste entre secciones de intensidades diferentes, sin la utilización de cambios graduales como crescendos o diminuendos. Durante el Barroco, los compositores, aunque no indicaban dinámicas específicas en sus partituras, lograban variaciones constantes en la intensidad por la alternancia entre secciones densas, donde participa toda la orquesta (tutti), y secciones más suaves, donde solo un grupo reducido (soli) toca.

3. Wolfgang Amadeus Mozart - "Sinfonía No. 40 en Sol Menor, K. 550":

La "Sinfonía No. 40 en Sol Menor, K. 550" de Wolfgang Amadeus Mozart, representativa del periodo clásico, sirve como un ejemplo distintivo de las dinámicas de transición. Esta época, se caracteriza por las transiciones graduales entre distintos niveles de intensidad, manifestándose a través de cambios progresivos de volumen con fines expresivos, como crescendos y diminuendos. Este enfoque gradual y expresivo de las dinámicas marcó una transición significativa desde las prácticas del Barroco hacia el lenguaje musical característico del Clasicismo.

4. Ludwig van Beethoven - "Sinfonía No. 9 en Re menor, Op. 125 ('Coral')":

En el Romanticismo, los compositores exploraron contrastes extremos de volumen, desde susurros suaves hasta estallidos potentes, con el objetivo de resaltar la emotividad inherente a la música. Así pues, esta sinfonía, ejemplifica muy bien este enfoque destacando por su amplio rango dinámico y sus expresivos matices. Pasajes pianissimo, donde la música se desvanece en susurros suaves, se contraponen con secciones fortissimo, donde la orquesta alcanza su máxima expresión. Estos contrastes no solo sirven como herramienta expresiva, sino que también intensifican la experiencia auditiva.

5. Arnold Schoenberg - "5 Klavierstücke" (Cinco piezas para piano):

Esta simboliza la transición hacia el Modernismo Musical, un período caracterizado por la experimentación y la ruptura con las convenciones tonales tradicionales. Este conjunto de piezas para piano se destaca por su atonalidad, expresividad emocional y el uso de dinámicas que reflejan la innovación y la exploración del siglo XX. La expresión dinámica desempeña un papel crucial en la interpretación de estas piezas. Schoenberg emplea cambios dinámicos para establecer contrastes dramáticos y destacar momentos de intensidad emocional. Con esta obra, se presenta el Modernismo Musical, donde la libertad creativa y la experimentación son fundamentales.

5. ALTURA

ENLACE: Altura_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Esta playlist pretende ser un recurso para poder trabajar en el aula con el alumnado la apreciación y discriminación de las diversas alturas de voces e instrumentos, con un enfoque específico en las cuatro alturas fundamentales de las voces: sopranos, contraltos, tenores y bajos, siguiendo un orden lógico.

Inicio la experiencia presentando una canción interpretada por una única voz en cada altura, estructurándolas de manera progresiva desde la más grave hasta la más aguda. Este enfoque permite a los estudiantes familiarizarse y concentrarse en cada tipo de voz de manera individual. Posteriormente, la playlist incorpora una pieza que involucra las cuatro alturas vocales en una misma composición. Este paso es crucial para que los estudiantes apliquen lo aprendido y desarrollen la capacidad de discriminar las distintas voces en un contexto más complejo.

Además, la estrategia se extiende al ámbito instrumental, destacando las diferentes alturas de un mismo instrumento, específicamente dentro de la familia de cuerdas frotadas. Esta inclusión amplía la comprensión de los estudiantes sobre cómo las alturas pueden variar incluso dentro de una misma categoría de instrumentos.

Aprovechando la ocasión, se incluyen referencias de cantantes de ópera españoles reconocidos mundialmente. Esto no solo agrega un componente cultural a la experiencia, sino que también resalta el talento y la contribución de artistas españoles al ámbito operístico.

1. Bajo (Grave): "Ella giammai m'amo" Don Carlo - G. Verdi (René Pape)

En esta canción, se presenta la voz de bajo a través de la interpretación magistral de René Pape, reconocido mundialmente como un bajo distinguido en el ámbito operístico.

2. Tenor: "Mattinata" (Josep Carreras)

En esta canción, presentamos la voz de tenor a través de la interpretación destacada de Josep Carreras, un tenor español de renombre internacional. La pieza "Mattinata" resalta la expresividad y el amplio rango vocal de Carreras, quien ha dejado una huella significativa en el mundo de la ópera.

3. Mezzosoprano: "El tra la la y el punteado" - Teresa Berganza

Esta canción es una muestra de su habilidad para interpretar de manera expresiva y captar la esencia cómica de una pieza.

4. Soprano: "O mio bambino caro" - Montserrat Caballé

Esta canción es una aria de la ópera "Gianni Schicchi" de Puccini, es un ejemplo perfecto de su capacidad para infundir cada nota con una intensidad emocional.

5. Tuba Mirum - Requiem de Mozart

Después de presentar de forma individual las cuatro alturas de la voz, en esta pieza, convergen las voces de soprano, contralto o mezzo, tenor y bajo en una composición única. El objetivo principal es que el alumnado pueda aplicar lo aprendido acerca de las características distintivas de cada tipo de voz. Las voces actúan de forma independiente en esta pieza, por lo que las diferentes alturas son claramente distinguibles y no representa aún un desafío significativo para los estudiantes, facilitando la discriminación de cada una de ellas.

6. El elefante del carnaval de los animales - Camille Saint-Saëns

Comenzamos a explorar las alturas instrumentales dentro de la familia de cuerda frotada con el contrabajo para seguir con la secuencia paralela a lo que hemos visto con las alturas de la voz comenzando con el sonido más bajo.

En este caso, no nos enfocamos en el timbre del instrumento, sino en la altura, siendo el contrabajo el representante de la voz más grave en la orquesta, destacando como un instrumento pesado, con un sonido profundo y arrastrado, es por esto que esta obra es muy interesante ya que, al estar escrita específicamente para contrabajo, pueden captar mejor la naturaleza única y distintiva de este instrumento.

7. Suite nº 1 para Violonchelo -Johann Sebastian Bach (Mischa Maisky)

Continuamos explorando las alturas instrumentales en la familia de cuerda frotada, ahora centrando nuestra atención en el violonchelo, un paralelo al registro del tenor en las voces. He escogido la versión interpretada por Mischa Maisky por ser reconocido como uno de los violonchelistas más destacados.

Es importante destacar que, al igual que con el contrabajo, no nos centramos en el timbre del instrumento, sino específicamente en la altura.A pesar de que el violonchelo comparte algunas características, como su tono profundo y emotivo, con el contrabajo, la pieza de Bach permite a los estudiantes apreciar la naturaleza distintiva de la altura asociada al violonchelo. Esta elección se realiza con el objetivo de que los alumnos desarrollen la capacidad de discriminar alturas en la familia de cuerdas frotadas sin basarse en el timbre, sino en la posición en el rango de agudos y graves.

8. Capricho para viola sola, 'Hommage à Paganini'" - Henri Vieuxtemps

La elección de esta obra está hecha a conciencia ya que permite destacar las características únicas de la viola. Es importante, volver a subrayar que, al igual que en el caso del violonchelo y el contrabajo, la intención no es centrarse en las características tonales, sino en la posición en el rango de agudos y graves.

La viola, al tener las mismas cuerdas que el cello y compartir repertorio en ocasiones, presenta un desafío interesante para los estudiantes al tener que diferenciarla únicamente por la escucha, especialmente en contextos orquestales. Este capricho proporciona una oportunidad ideal para que los alumnos desarrollen la habilidad de distinguir la altura específica de la viola, que se sitúa entre el cello y el violín. De esta manera, podrán apreciar la singularidad de este instrumento dentro del contexto de la familia de cuerdas frotadas, sin basarse en el timbre, sino en la ubicación en el rango de frecuencias.

9. Capricho 24 - Niccolò Paganini (Itzhak Perlman)

Esta pieza es perfecta para ilustrar y diferenciar la altura más aguda de la familia de cuerda frotada, la del violín, al ser característica por su desafío técnico y destacar la agudeza única del instrumento al explorar su registro más elevado de manera virtuosa. La interpretación seleccionada de Itzhak Perlman resalta la energía de esta composición al poder apreciar apreciar la riqueza y versatilidad de este instrumento en el contexto de la familia de cuerdas frotadas.

6. TIMBRE

ENLACE: Timbre_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

La finalidad de esta playlist de organología es explorar el timbre, es decir la cualidad del sonido que nos permite distinguir la fuente sonora de la que proviene. Este se relaciona con los instrumentos musicales, los que se clasifican en diferentes familias. Es por esto que, para poder trabajar de forma más enfocada el timbre, la playlist presenta múltiples versiones de la misma canción, "Fly Me to the Moon" de Frank Sinatra. Este enfoque proporciona una oportunidad única para discriminar y apreciar los matices de timbre entre instrumentos de diferentes familias.

Además, se han incorporado versiones interpretadas con instrumentos provenientes de diversas culturas. El orden estratégico de la playlist abarca las cinco familias de instrumentos, iniciando con las cuerdas frotadas, pulsadas y percutidas, seguidas por las familias de viento (madera, metal y aerófono), y concluyendo con la percusión idiófona.

FAMILIA DE LA CUERDA:

Frotada

1. Versión dos violines

2. Versión cello

Pulsada

3. Versión guitarra española

4. Versión ukelele

5. Versión arpa

Percutida

6. Versión piano

7. Versión órgano

FAMILIA DE VIENTO:

Madera:

8. Versión saxofón

9. Versión clarinete

10. Versión flauta travesera

Metal:

11. Versión trompeta

12. Versión trombón

Aerófono (soplo mecánico):

13. Versión acordeón

FAMILIA PERCUSIÓN:

Idiófono

14. Versión Kalimba: un instrumento musical de percusión originario del África subsahariana, destacando en la música africana por su sonido único.

7. AGRUPACIONES INSTRUMENTALES

ENLACE: AgrupacionesInstrumentales_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Esta playlist pretende presentar diversos tipos de agrupaciones instrumentales desde las más pequeñas hasta las más grandes, pasando por ensambles de diferentes culturas y orígenes. Así pues, comenzar con conjuntos más íntimos, como dúos y tríos, permite a los oyentes apreciar la complejidad y la interacción cercana entre los instrumentos. A medida que la playlist avanza, se introduce una amplia variedad de ensambles, desde cuartetos hasta orquestas sinfónicas y big bands, ofreciendo una experiencia auditiva diversa. La inclusión de agrupaciones de diferentes culturas y orígenes busca ampliar las perspectivas musicales de los oyentes, permitiéndoles sumergirse en tradiciones y estilos variados.

Duo: cello y piano
Trio: oboe, clarinete y fagot
Cuarteto: dos violines, una viola y un violoncello
Quinteto: flauta, oboe, clarinete, fagot y trompa.
Grupo Pop: incorpora voz, guitarra, bajo, teclado y batería.
Grupo Rock: Conjunto de rock conformado por guitarra eléctrica, bajo, batería y voz.
Cuarteto de gaitas, acordeón, orfeón
Rondalla: instrumentos de cuerda pulsada, como guitarras, y pequeña percusión.
Tuna: Agrupación universitaria que utiliza guitarras, laúdes y voces.
Batucada: Ensemble percusivo brasileño con tambores y percusión adicional.
Charanga: compuesta por percusión (bombo, caja y platos), la sección de metales (trombones, bombardino, trompetas y tuba) y por último la sección de madera (saxofones altos, saxofón tenor y clarinete).
Mariachi: agrupación mexicana que incorpora trompetas, violines, guitarras, vihuela y guitarrón
Fanfarria: instrumentos de viento metal y percusión
Big band: piano, contrabajo, batería, guitarra, percusión, trompetas, trombones, saxofones y clarinetes.
Orquesta de cámara: reducido grupo de cuerdas, 4 violines primeros, 4 segundos, 3 violas, 2 cellos y 1 contrabajo.
Orquesta de plectro y púas: Ensemble de cuerdas pulsadas con instrumentos como laúdes y bandurrias
Orquesta de laúdes: Conjunto de laúdes que ofrece un sonido distintivo
Orquesta sinfónica: Gran orquesta que incluye cuerdas, vientos, percusión y a veces coro.
Banda sinfónica: Ensemble de vientos y percusión con una amplia variedad de instrumentos.
Combo de jazz: Pequeño grupo de jazz con instrumentos como piano, contrabajo, batería y saxofón.
Grupo de jotas: Ensemble que interpreta música folklórica española, incluyendo instrumentos como guitarras, castañuelas y panderos.
Gamelán: Agrupación tradicional indonesia con metalófonos, xilófonos, membranófonos, gongs y flautas de bambú.
Ceili band: Ensemble irlandés para bailes tradicionales que incluye violín, flauta, banjo, acordeón, concertina, gaita y piano con batería jazz.
Coro mixto: Conjunto coral que incorpora voces masculinas y femeninas.
Grupo a capella: Ensemble que presenta armonías vocales sin acompañamiento instrumental.

8. TEXTURA

ENLACE: Textura_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Con esta playlist, se busca explorar el concepto de textura y sus distintos tipos, desde las formas más primitivas hasta las más complejas. Se utilizan ejemplos de músicas tradicionales de diferentes países con el propósito de trascender las referencias habituales a la música clásica occidental, ampliando así la perspectiva musical enseñada tradicionalmente. Este enfoque no solo nos permite acercarnos a la música diversa de varios países, sino que también facilita la comprensión de cómo la música ha evolucionado a lo largo de la historia y cómo cada pueblo ha ido adaptando su música a las diferentes necesidades técnicas y estéticas propias de su cultura. Se trabajará la textura monofónica, la textura bifónica, la textura heterofónica, la textura polifónica (o contrapuntística), la textura homofónica y la textura homorrítmica.

TEXTURA MONOFÓNICA:

Es el tipo de textura musical más primitiva, está caracterizada por una única línea melódica sin ningún acompañamiento. Esta melodía puede ser interpretada por un solo intérprete o por varios, ya sea con la unión de voces o instrumentos tocando simultáneamente la misma melodía.

1. SanGyeongsan Grass:

Esta pieza musical coreana, ejecutada con un piri, ejemplifica la textura monofónica que se encuentra comúnmente en la música tradicional de países como China, Japón, Corea e Indonesia. A través de un único instrumento, la melodía se presenta de manera clara y sin acompañamiento, reflejando la simplicidad y pureza de la textura monofónica.

2. Del Comun de los Apóstoles

La melodía monofónica puede ser interpretada por varias voces o instrumentos que ejecuten simultáneamente la misma melodía al unísono o a distancia de una octava. En este contexto, esta pieza sirve como un claro ejemplo del canto gregoriano. En la misma canción, se puede apreciar la melodía interpretada por un solo ejecutante, seguida de la misma melodía interpretada por un conjunto o coro al unísono. Esto permite notar la diferencia de densidad sonora entre la interpretación individual y colectiva.

TEXTURA BIFÓNICA:

La bifonía representa una de las primeras formas de acompañamiento musical en la historia de la humanidad. Esta textura musical se caracteriza por tener dos líneas melódicas, donde la más grave mantiene un pedal sobre una nota constante, mientras que la más aguda desarrolla una melodía elaborada.

3. Going Home

Este tipo de textura es muy raro encontrarlo en la música clásica europea, pero es muy común encontrarlo en la música tradicional de otros países, como la música de gaitas escocesas. En este estilo de música los gaiteros interpretan la melodía en el tubo principal del instrumento (conocido como chanter) mientras que los otros tubos que suenan (conocidos como drone) van ejecutando una o dos notas fijas.

TEXTURA HOMOFÓNICA:

La homofonía es una textura en la que varias voces se mueven simultáneamente con el mismo ritmo, paralelamente pero con distinta altura (afinación). Es decir, todas las voces comparten la misma línea melódica o acordes en el mismo ritmo. A diferencia de la polifonía, sólo una melodía destaca de manera prominente y las otras forman una base de acompañamiento armónico y rítmico.

4. Motete Taedet animam meam

En esta composición, las voces se mueven de manera conjunta, siguiendo la misma progresión melódica y ritmo. Aunque pueda haber ciertas variaciones en las alturas de las voces, la esencia homofónica radica en la uniformidad rítmica y la consonancia general entre las líneas vocales.

TEXTURA HETEROFÓNICA (OPUESTA A LA HOMOFONIA):

La heterofonía, en contraste con la homofonía, es un tipo de textura musical caracterizado por la variación simultánea de una única línea melódica. A diferencia de la homofonía, donde varias voces o instrumentos siguen la misma melodía con acordes acompañantes, la heterofonía implica que varios ejecutantes interpretan la misma melodía, pero con distintas ornamentaciones o variaciones. Este tipo de textura se encuentra comúnmente en la música tradicional del Medio Oriente y varios países de Asia

5. Hüseyni Saz Semâî

Al escuchar esta pieza, se puede apreciar cómo diferentes instrumentos ejecutan la misma melodía con distintos adornos y en diversos planos sonoros. Esta característica resalta la riqueza ornamental y la variabilidad interpretativa que la heterofonía aporta a la música.

TEXTURA POLIFÓNICA O CONTRAPUNTÍSTICA:

Cuando un conjunto de voces suena de modo simultáneo pero las voces son, en mayor o menor grado, independientes entre sí, se produce una textura polifónica o contrapuntística. En este caso cada voz tiene la misma importancia y no existen partes principales y partes acompañantes. La textura polifónica (también conocida como textura contrapuntística) se caracteriza por el empleo de múltiples voces melódicas que son independientes y de importancia similar

El contrapunto imitativo, es una técnica dentro de la textura polifónica, que se destaca por la reproducción sucesiva de un motivo o tema específico por parte de todas las voces. Cuando esta imitación se extiende a dos o más voces, se origina un canon o imitación canónica, siendo esta una peculiaridad distintiva, especialmente notable durante el Renacimiento.

6. Motete Sicus cervus

En el Renacimiento, compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina utilizaron el contrapunto imitativo en sus motetes, como se evidencia en "Sicus cervus". Aquí, las voces presentan motivos melódicos de manera sucesiva, creando una rica textura contrapuntística.

7. Fuga en La mayor, BWV. 949

La fuga destaca por su estructura contrapuntística y Bach fue un maestro en la creación de estas. La fuga, por naturaleza, implica la entrada sucesiva de voces que presentan un tema principal. Cada voz introduce el tema de manera distinta, y a medida que las voces se superponen, se crea una intrincada red de interacciones melódicas.

MELODÍA ACOMPAÑADA

En la textura de melodía acompañada, a diferencia de la textura polifónica o contrapuntística donde todas las líneas melódicas tienen una importancia similar, una melodía se destaca claramente sobre el acompañamiento. Este enfoque se encuentra en una variedad de géneros musicales y estilos, desde la música clásica hasta la música popular. Pasamos a exponer diferentes tipos de acompañamiento segun la época y el estilo

8. Sonata para cello nº 2 en mi menor I- Adagio

En la época barroca el bajo tiene mucha importancia.

9. Sonata para piano nº 16 KV 545 en Do mayor. I - Allegro.

En el clasicismo surgen los primeros patrones de acompañamiento, completamente escritos, que sustituyen al bajo continuo barroco.

10. Brahms Op. 59, No 8 Dein blaues Auge

Los compositores románticos dieron una importancia especial a los acompañamientos y suelen estar más estrechamente relacionados con la melodía.

11. nº 40 del Mikrokosmos

En el Renacimiento y el Barroco, se escribieron numerosas piezas que presentan variaciones sobre un esquema armónico con bajo ostinato. Este ejemplo de Béla Bartók muestra un tipo de melodía acompañada con un patrón rítmico persistente y repetitivo.

9. EDUCACIÓN

ENLACE: Educación_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Esta playlist la he diseñado para abordar temas críticos y relevantes en un entorno educativo, utilizando la música como una herramienta poderosa para generar conciencia, fomentar la reflexión y promover la discusión en el aula. Cada canción, además de tratar cuestiones sociales, políticas y de valores de manera evidente, contiene mensajes implícitos que se desvelan a medida con las letras y su relación con eventos históricos significativos.

1. Niño soldado - Ska p

Contexto y Mensaje: La canción aborda la problemática de los niños soldados en conflictos armados.
Propuesta en el Aula: A través de esta canción podemos crear conciencia sobre los derechos de los niños y niñas, para reflexionar sobre la realidad de aquellos que son reclutados a la fuerza en situaciones de violencia. En este contexto, podemos iniciar en clase un debate sobre los derechos fundamentales de los niños, conforme a la Convención sobre los Derechos del Niño de las Naciones Unidas, destacando cómo la participación de los niños en conflictos viola dichos derechos. Además, la canción puede servir como punto de partida para sensibilizar a los estudiantes sobre las dificultades específicas que enfrentan los niños soldados y fomentar la empatía hacia sus realidades. Con esto podemos conseguir no solo generar conciencia sino también promover la paz, mediante discusiones sobre la importancia de la resolución pacífica de conflictos y de alternativas no violentas.

2. The Man - Taylor Swift

Contexto y Mensaje: La canción aborda cuestiones de empoderamiento femenino y desafía estereotipos de género.
Propuesta en el Aula: A través de esta canción podemos explorar no solo la igualdad de género en general, sino específicamente los roles que persisten en la industria musical. Podemos reflexionar sobre cómo las letras de la canción reflejan las experiencias personales de Taylor Swift en un entorno en el que hay disparidad de roles entre hombres y mujeres y en el que las expectativas de género a menudo limitan las oportunidades y el reconocimiento de las mujeres. Se puede debatir en clase se puede crear un debate abierto sobre el feminismo y su aplicación en el ámbito musical, además, de abordar la capacidad de la música como medio para expresar mensajes sociales y la importancia de utilizar la creatividad como una herramienta para el cambio.
Preguntas para la reflexión:
¿Qué aspectos de las letras de "The Man" destacan la disparidad de roles de género?
¿Cómo las experiencias personales de Taylor Swift, expresadas en la canción, ilustran los desafíos que enfrentan las mujeres en la industria musical?
¿Creéis que la música puede desempeñar un papel importante en la promoción de la igualdad de género y la deconstrucción de estereotipos?
¿Conocéis ejemplos de otras canciones que hayan utilizado la música como medio para expresar mensajes sociales o desafiar normas?

3. What’s going on - Marvin Gaye

Contexto y Mensaje: La canción aborda cuestiones sociales y políticas, incluyendo la guerra de Vietnam y la discriminación racial. Inspirada por el evento conocido como "Bloody Thursday" en Berkeley, California, establece un vínculo entre la guerra y la vida familiar. Aboga por una solución a la crisis a través del amor y el entendimiento mutuo entre madres, padres y hermanos.
Propuesta en el Aula: A través de esta canción podemos trabajar cuestiones sociales y políticas, conectando la guerra de Vietnam y la discriminación racial. A partir de la contextualización histórica de la guerra de Vietnam y los movimientos por los derechos civiles en los Estados Unidos el alumnado puede empezar a comprender las influencias que dieron forma a la canción, para, posteriormente, ir analizando la letra destacando las metáforas utilizadas por Marvin Gaye y cómo vincula la guerra con la vida cotidiana y la unidad familiar. También se puede debatir sobre el activismo pacífico como respuesta a las injusticias sociales.

4. Sunday Bloody Sunday - U2

Contexto y Mensaje: La canción aborda la violencia en Irlanda del Norte y otros conflictos. Aunque Bono, el vocalista, ha afirmado que no es sobre rebelión, la letra documenta dos eventos sangrientos en Irlanda, relacionados con el Ejército Republicano Irlandés y tragedias ocurridas en 1920 y 1972.
Propuesta en el Aula: A través de esta canción podemos explorar la importancia de la paz, discutir conflictos históricos y promover la resolución pacífica de disputas. En el aula, se podría iniciar un análisis detallado de la letra, identificando referencias a eventos históricos específicos y explorando cómo Bono utiliza la canción como medio de expresión sobre la violencia y la paz. En concreto se puede contextualizar el "Bloody Sunday" de 1972 en Irlanda del Norte, destacando los eventos y las repercusiones para comprender mejor la letra. Podemos animar a los estudiantes a reflexionar sobre la ironía del título "Sunday Bloody Sunday" y cómo este simboliza la intersección entre la paz y la violencia en un contexto histórico específico.
Preguntas para la reflexión:
¿Cómo se puede relacionar el mensaje de "Sunday Bloody Sunday" con situaciones de conflicto o violencia en la actualidad?
¿Qué simboliza el título "Sunday Bloody Sunday" y cómo se relaciona con la letra de la canción?
¿Qué acciones o cambios creéis que la canción sugiere como respuesta a la violencia y los conflictos?

5. Pumped up kicks - Foster The People

Contexto y Mensaje: La canción aborda la violencia escolar y la falta de atención a la salud mental.
Propuesta en el Aula: A través de esta canción podemos trabajar temas como la violencia armada y la salud mental en la sociedad actual para fomentar la conciencia y la reflexión crítica entre los estudiantes. Iniciando con una escucha atenta y con la traducción de la letra al castellano, el alumnado puede ir identificando referencias a la violencia, la alienación social, la ansiedad y la presión social. Además, se explorará cómo la canción refleja problemas sociales reales, como la violencia en las escuelas y la salud mental en los jóvenes, conectándolo con casos reales.
Preguntas para la reflexión:
¿Cómo creéis que la presión social y la exclusión pueden afectar la salud mental de los jóvenes?
¿Qué acciones creéis que se podrían tomar para prevenir situaciones de violencia y promover la salud mental en los jóvenes?
¿Cuáles son las metáforas o imágenes en la canción que más os han llamado la atención y por qué?

6. Obriu les portes - Txarango

Contexto y Mensaje: La canción habla sobre la crisis de los refugiados y la solidaridad.
Propuesta en el Aula: A través de esta canción podemos sensibilizar al alumnado sobre la situación de los refugiados, fomentar la empatía y discutir sobre la importancia de la ayuda humanitaria. Se puede introducir la temática contextualizando la situación de los refugiados, destacando la importancia de comprender sus experiencias.La letra de la canción también nos permite explorar temas más amplios, como la destrucción ambiental, la guerra y la importancia de la poesía y el arte como medios para combatir la violencia.
Preguntas para la reflexión:
¿Cómo la canción "Obriu les Portes" de Txarango os ha hecho sentir acerca de la situación de los refugiados?
¿Cómo la música, según la canción, puede ser un medio para superar adversidades y unir comunidades?
¿Cómo interpretariais la frase "Que cremi roig el foc d'un vers contra el foc de la guerra" en el contexto de la canción y su mensaje?
¿Creéis que las artes, como la poesía y la música, pueden tener un impacto positivo en la conciencia social y la promoción de la paz?

7. Another Brick In The Wall - Pink Floyd

Contexto y Mensaje: La canción critica el sistema educativo y la opresión de la individualidad.
Propuesta en el Aula: A través de la canción podemos reflexionar sobre el sistema educativo, discutir la importancia de la creatividad y promover la idea de una educación integral. La canción, parte del álbum "The Wall" de Pink Floyd, critica el estricto régimen educativo que suprime la individualidad de los estudiantes, convirtiéndolos en "otro ladrillo en el muro". En el contexto de la propuesta en el aula, se puede explorar cómo la canción aborda temas más amplios de alienación personal y la lucha contra la conformidad en la sociedad. Es relevante destacar que la canción no se rebela contra la educación en sí misma, sino contra un sistema educativo que limita la expresión individual y promueve la conformidad. Es por esto que, a partir de este enfoque, podemos hacer que nuestro alumnado reflexione sobre la educación que estan recibiendo y considerar cómo pueden fomentarse entornos que respeten y nutran la individualidad y la creatividad. Además, se puede contextualizar la canción en eventos históricos, como su uso como himno en el movimiento opositor al régimen sudafricano del Apartheid, evidenciando cómo la música puede trascender fronteras y ser una poderosa herramienta de expresión y resistencia
Preguntas para la reflexión:
¿Cómo describe la canción "Another Brick in the Wall" el sistema educativo y su impacto en la individualidad de los estudiantes?
¿Qué papel creéis que juega la creatividad en la educación?

8. Fortunate Son - Creedence Clearwater

Contexto y Mensaje: La canción critica la desigualdad en el reclutamiento militar durante la Guerra de Vietnam.
Propuesta en el Aula: A través de la canción podemos abordar en el aula la crítica a la desigualdad en el reclutamiento militar durante la Guerra de Vietnam. Lanzada por la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival como parte de su cuarto álbum de estudio "Willy and the Poor Boys" en 1969, la canción se convirtió en un himno del movimiento antibélico en Estados Unidos a fines de la década de 1960. Con esta propuesta se busca analizar la desigualdad social representada en la canción, discutir sobre el privilegio y reflexionar sobre la participación en conflictos armados. Se puede explorar cómo la letra de la canción critica la situación en la que aquellos con influencia y poder tenían más probabilidades de evitar el reclutamiento militar, mientras que aquellos menos privilegiados se veían obligados a enfrentarse a los peligros de la guerra.
Preguntas para la reflexión:
¿Cómo retrata la canción "Fortunate Son" la desigualdad en el reclutamiento militar durante la Guerra de Vietnam?
¿Qué opináis sobre la crítica al privilegio y la desigualdad entre clases y posiciones sociales expresada en la canción?
¿Qué papel juega el privilegio en diversas áreas de la sociedad, además del reclutamiento militar, según lo representado en la canción?

9. Mississippi Goddam - Nina Simone

Contexto y Mensaje: La canción es una protesta contra la discriminación racial y la violencia en los Estados Unidos.
Propuesta en el Aula: A través de la canción podemos abordar en el aula temas críticos de derechos civiles, promover la igualdad racial y discutir sobre el activismo contra la injusticia en los Estados Unidos. Lanzada en 1964 en respuesta al asesinato de Medgar Evers y al atentado en la Iglesia Baptista de Birmingham, Alabama, que resultó en la muerte de cuatro niñas afroamericanas, la canción se convirtió en un himno del movimiento por los derechos civiles. La propuesta en el aula busca sensibilizar a los estudiantes sobre la discriminación racial y la violencia histórica en los Estados Unidos, así como fomentar la reflexión y el diálogo sobre los desafíos persistentes en la lucha por la igualdad racial. Además, se pretende inspirar el activismo contra la injusticia y la promoción de cambios sociales positivos.
Preguntas para la reflexión:
¿En qué medida creéis que los problemas abordados en la canción siguen siendo relevantes hoy en día?
¿Cómo la música puede ser una herramienta efectiva para transmitir mensajes de activismo y promover el cambio social?

10. This Land Is Your Land- Woody Guthrie

Contexto y Mensaje: La canción es un himno a la unidad y la igualdad, pero también critica las desigualdades sociales.
Propuesta en el Aula: A través de la canción podemos promover una reflexión profunda sobre la diversidad, la justicia social y la promoción de la unidad y la solidaridad. Esta canción, escrita como una respuesta crítica a "God Bless America", se ha convertido en un himno a la unidad y la igualdad en Estados Unidos. La propuesta en el aula busca sensibilizar a los estudiantes sobre la importancia de la diversidad y la necesidad de abordar las desigualdades sociales. Se fomentará la discusión sobre la justicia social y cómo la música puede ser una herramienta poderosa para transmitir mensajes de inclusión y cambio positivo.
Preguntas para la reflexión:
¿Cómo utiliza Woody Guthrie la música y la letra de "This Land Is Your Land" para celebrar la diversidad y al mismo tiempo criticar las desigualdades sociales?
¿Cuáles son algunos elementos específicos de la letra que destacan la importancia de la unidad y la solidaridad?
¿Crees que los mensajes de la canción son relevantes en la sociedad actual? ¿Por qué o por qué no?

10. FOLKLORE ESPAÑOL

ENLACE: FolkloreEspañol_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Esta playlist se divide en dos partes, en primer lugar presentamos el folklore español a partir de la música de Algunos de los compositores más destacados de nuestro país desarrollaron su actividad durante el siglo XX, los que ejaron grandes obras que hoy siguen interpretando tanto orquestas sinfónicas como solistas de distintos instrumentos musicales en auditorios y salas de conciertos de todo el mundo. Con esto acercamos al alumnado a

FOLKLORE ANDALUZ:

Andalucía posee un folklore que hunde sus raíces en la historia, destacando entre las diversas manifestaciones el cante y el baile flamenco. Dentro del flamenco distinguimos, a su vez, cantes muy diferenciados y con identidad propia, que se distinguen, habitualmente, por su métrica, su ritmo y sus temas. A continuación, hacemos un breve repaso por los principales palos del flamenco.

1. Bulerías - Son tus ojos dos estrellas (Camarón de la Isla)

2. Soleás - Soleá: A mi madre de Mi Alma (La niña de los peines)

3. Alegrías - Alegrías de cádiz (Chano Lobato)

4. Fandangos - De que siempre te quería (Antonio Mairena)

5. Tango - Tango de la Sultana (Camarón de la Isla)

6. Sevillana - Por Sevillanas (Salmarina)

7. Siguiriya - Por siguiriyas (Niño Ricardo)

FOLKLORE ARAGONÉS

El folklore aragonés es diverso, y a lo largo del tiempo, ha incorporado una rica variedad de expresiones musicales. Aunque la jota ha prevalecido como el canto de baile preeminente en su forma contemporánea durante el siglo XX, existen otros estilos destacados en el ámbito de la música tradicional aragonesa.

8. Jota - Jota de Baile de Zaragoza

9. Mazurca - Mazurca de Monesma de Benabarre

10. Albada - Albada de la Ausencia (Jose Antonio Labordeta - cantautor Aragones)

11. Bolero - Bolero de Zaragoza

FOLKLORE ASTURIANO

Asturias se distingue por poseer uno de los folclores más antiguos, ricos y sugestivos de España. La diversidad de manifestaciones culturales ha dado lugar a una tradición vibrante que destaca por su autenticidad y arraigo en la región. La gaita y el tamboril, junto con las danzas y canciones tradicionales, son elementos que definen la identidad cultural de Asturias.

12. El corri-corri

13. Cuando salí de asturias

FOLKLORE BALEAR

El Bolero Mallorquí, la Jota de sa Portada y la tradición de Sant Antoni y el dimoni resaltan la riqueza del folclore en las Islas Baleares. Estas manifestaciones artísticas y culturales reflejan la diversidad y la profundidad de las tradiciones en la comunidad.

14. Bolero Mallorquí

15. Jota de sa Portada

16. Sant Antoni y el dimoni

FOLKLORE VASCO

El folclore vasco se destaca por sus ritmos marchistas y de danza, acompañados por una diversidad de instrumentos propios como la "txalaparta" (percusión), txistu, tamboril, alboka, trikitrixa y pandero.

Las bilbainadas, canciones típicas en celebraciones familiares, representan un género musical independiente desde los años veinte. Estas composiciones, surgidas durante encuentros entre bilbainos para compartir momentos de convivencia, abordan con humor la vida en Bilbao.

Un fenómeno cultural y social destacado es el bertsolarismo, una forma de improvisación cantada en euskera. Los "bertsolaris" son poetas improvisadores que crean y recitan versos de manera espontánea, demostrando su habilidad lingüística y creatividad en respuesta a temas dados.

En cuanto a la danza cantada, la canción infantil "Aldapeko Sagarraren" es popular en todo el País Vasco y también en una parte del País Vasco francés. Presenta características melismáticas, con muchas notas por sílaba, y se describe como una danza cantada en la que un pie permanece quieto mientras el otro acompaña el ritmo de una luz.

La afición al canto en coros es notable en el País Vasco, reflejando la importancia de la música y la expresión artística en la cultura local. Estas expresiones folklóricas no solo enriquecen la identidad cultural vasca, sino que también proporcionan una forma única de transmitir historias, tradiciones y emociones a través de la música y la danza.

17. Desde Santurce A Bilbao (Bilbainadas)

18. Bertsolaris (Vizcaya)

19. Aldapeko - Sagarraren

FOLKLORE CANARIO

La música popular canaria tiene una personalidad clarísima. Son 4 los aires más característicos de este folklore, encontramos la isa, que deriva de la jota, la malagueña, una de las coplas más sentidas por los isleños, la folía, y el tajaraste. Por otro lado, también el tango de la Florida, los aires de Lima, el sirinoque, etcétera.

El instrumento canario por excelencia es el timple, una especie de guitarra de cuatro o cinco cuerdas, de una extraordinaria sonoridad y cuyas posibilidades como pieza solista han sido exploradas por concertistas como Totoyo Millares.

20. La isa de los cantos canarios

21. Malagueñas Canarias

22. Folías de la Libertad

23. Tajaraste

24. Vals Canario - pieza con timple (Totoyo Millares)

25. El tango de la Florida

26. Los aires de Lima

27. El sirinoque

FOLKLORE CÁNTABRO

La Baila de Ibio es una danza tradicional con elementos únicos que reflejan la rica cultura de Cantabria. La música, que presenta un ostinato con caja y una introducción con caracola de mar, crea una atmósfera distintiva. Esta danza, de antigua tradición, utiliza dos instrumentos principales: la percusión (caja) y el bigaro (caracola).

En cuanto a los instrumentos típicos cántabros, como las gaitas, la pandereta hornamentada, el tamboril, los raveles y las castañuelas, contribuyen a la riqueza musical de la región.

La canción "La Fuente de Cacho" se destaca por su popularidad en Cantabria y se ha convertido en una elección común en los partidos de fútbol del equipo de Santander. La letra presenta un diálogo entre un hombre y una mujer, mencionando la fuente de Cacho y la falda (saya).

28. Baila de Ibio

29. La fuente de Cacho

FOLKLORE CASTELLANO - MANCHEGO

Entre los bailes folclóricos de Castilla-La Mancha destaca la seguidilla, considerada como la matriz de las danzas de la región y cuyo origen se disputan Andalucía y La Mancha. De ella se derivan el fandango y el bolero.

30. Seguidillas Manchegas

31. Fandango Manchego

FOLKLORE CASTELLANO - LEONÉS

El folclore leonés está caracterizado por una serie de instrumentos que son los más comunes en su música dependiendo de la comarca en que nos hallemos. Es casi hegemónica la presencia de la flauta de tres agujeros y el tamboril en el País Leonés si bien en la parte más oriental predomina la dulzaina y en la occidental la gaita de fole.

32. La peregrina

33. Donde vas a dar agua

FOLKLORE CATALÁN

Entre las danzas sobresale la sardana, s. Durante las ferias y fiestas de los numerosos pueblos y ciudades de Cataluña hacen su aparición los grupos de danzas conocidos con el nombre de esbarts. Son innumerables las danzas populares catalanas (ball de Sant Ferriol, ball de bastons, ball de Rentadores, ball de l'Indiot, ball dels Cercolets, ball de Faixes, ball de la Morisca, ball de la Filosa, ball del Ciri).

34. La santa espina (sardana)

35. El ball de sant Ferriol

36. Ball de les rentadores

37. Ball de L’Indiot

FOLKLORE VALENCIANO

La música y el baile también son elementos esenciales en el folklore valenciano. Las tradicionales bandas de música, con sus instrumentos característicos, añaden un ambiente festivo a las celebraciones. Además, los bailes regionales, como la "jota" valenciana, son expresiones artísticas arraigadas en la cultura local.

38. La manta al coll

39. Muixeranga

40. Cant d’estil

41. Albaes

42. La xitxarra

43. Xàbia

44. Tio Pep

FOLKLORE EXTREMEÑO

El folklore extremeño es muy rico en Jotas, Fandangos, Rondeñas, Romances, etc. Cada Virgen, cada Santo y cada pueblo extremeño tienen su jota: la jota de Guadalupe, de la Virgen de las Cruces, de San Juan, de San Isidro…, y también, la Jota de Alburquerque, la Piornalega, la de La Zarza… Entre los fandangos destaca el Fandango de Extremadura y entre las rondeñas, la Rondeña Cacereña.

45. Jota de la virgen de las cruces

46. Fandango Extremeño

47. Rondeña Cacereña

FOLKLORE GALLEGO

Entre las danzas típicas destaca la muñeira en sus diversas variantes. El instrumento popular más genuino es la gaita o cornamusa, así como el redobrante y el bombo que la acompañan.

48. Muñeira de Chantada

49. Alalá de Muixía

50. Ribeirana

FOLKLORE MADRILEÑO:

El folklore musical madrileño es sumamente variado y refleja la riqueza cultural de la región. Seguidillas, jeringonzas, chotis, cantos de trabajo, de taberna y de boda, mayos, polcas y mazurcas, rondas, jotas y danzas rituales.

51. Pichi (Chotis)

52. Mayos a las Mozas

FOLKLORE MURCIANO:

En cuanto a las danzas más características del folklore murciano, encontraremos Jotas, Seguidillas, Fandangos, Malagueñas, Pardicas… Pero se les reconoce por la Parrandas

53. Parrandas de Murcia

54. Murciana PT1. (cuadrilla)

FOLKLORE NAVARRO

La Comunidad Foral de Navarra cuenta con un amplio repertorio de danzas y bailes de distinto origen y naturaleza. Algunas danzas rituales de varios siglos de historia y otros bailes populares que por su significado social constituyen su folclore.

55. Navarrica, Navarrica

56. A pamplona voy

11. AMALGAMA

ENLACE: Amalgama_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

La playlist que he creado está diseñada con el objetivo de introducir al alumnado de primaria al concepto de amalgama en el contexto musical. El compás de amalgama, combina ritmos binarios y ternarios y puede ser inicialmente percibido como "raro" o diferente por los niños. Sin embargo, al escuchar estas canciones, pueden experimentar y familiarizarse con la estructura de la amalgama de manera divertida y educativa.

Cada canción de la playlist ha sido seleccionada cuidadosamente para ofrecer ejemplos claros de amalgama, permitiendo a los estudiantes sumergirse en diferentes expresiones musicales mientras internalizan la combinación única de ritmos. A través de esta experiencia auditiva, esperamos que los niños no solo se diviertan, sino que también desarrollen una comprensión más profunda de la diversidad musical que ofrece la amalgama.

En resumen, esta playlist tiene como objetivo proporcionar una introducción accesible y entretenida al concepto de amalgama, permitiendo a los estudiantes de primaria explorar y apreciar la riqueza de la combinación de ritmos binarios y ternarios en la música.

1. Mission Impossible - Lalo Schifrin

A partir de esta canción, siendo un éxito destacado en el mundo de las bandas sonoras cinematográficas, introducimos el compás de amalgama 5/4 con una combinación específica de 3/4 + 2/4 en su tema principal. En primer lugar, es un tema del contexto cercano del alumnado que les puede resultar familiar y muy reconocible. Así mismo, la estructura rítmica del compás de amalgama 5/4 en "Mission Impossible" es distintiva y fácilmente identificable. Además, la presencia de un bajo ostinato, un fragmento rítmico-melódico repetitivo en el bajo, ofrece a los estudiantes un punto de referencia constante, ayudando a establecer y comprender el ritmo de manera más clara.

2. Take five - Dave Brubeck

Continuamos reforzando la comprensión e interiorización del compás de amalgama 5/4 con un ejemplo un poco más desafiante: "Take Five" de Dave Brubeck. Con esta pieza musical icónica, conocida por su complejidad rítmica, seguimos explorando el 5/4 (3+2).

Al presentar "Take Five" después de "Mission Impossible", se busca proporcionar una progresión gradual, donde los estudiantes pueden aplicar y comparar su comprensión del compás de amalgama en un contexto musical más complejo. Esto no solo fortalecerá su habilidad para identificar y sentir el ritmo, sino que también fomentará una apreciación más profunda de la diversidad rítmica en la música.

3. Tolerate it - Taylor Swift

Con esta canción seguimos explorando el compás 5/4 dentro del contexto del pop. Taylor Swift, siendo una figura destacada en la música pop contemporánea, aporta relevancia al tema para los estudiantes, al trabajar el compás en un género popular. La canción, más relajada y calmada, ofrece otro estilo en comparación con las canciones anteriores de la playlist.

El ostinato del piano en "Tolerate It" es un elemento significativo para que los estudiantes identifiquen y sigan un patrón rítmico constante. Además, la conexión con las canciones previas, desde "Mission Impossible" hasta "Take Five", crea una progresión gradual que ayuda a los estudiantes a aplicar sus conocimientos en diversas situaciones musicales.

4. Money - Pink Floyd

La canción es un ejemplo de un compás de amalgama 7/4 (4/4 + 3/4). Es importante destacar que, al haber trabajado anteriormente con el compás de amalgama 5/4, "Money" ofrece otro ejemplo valioso que amplía la comprensión de los estudiantes sobre la diversidad de ritmos que pueden encontrarse en la música. La introducción de diferentes compases de amalgama en el aprendizaje musical contribuye a enriquecer la experiencia auditiva y a desarrollar una comprensión más completa de las complejidades rítmicas.

5. Solsbury Hill - Peter Gabriel

Esta canción en 7/4 dividido en 4+3 continúa proporcionando variedad en los compases de amalgama, desde 5/4 en canciones anteriores hasta 7/4.

4. PLAYLISTS EN DEEZER

1. EMOCIONES:

ENLACE: Emociones_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Con esta playlist, el propósito es explorar diversas emociones a través de las sensaciones que pueden transmitir distintas canciones. La elección de las piezas musicales para evocar diferentes emociones se basa en la subjetividad. Además, muchas de estas piezas tienen la capacidad de ser útiles para varias emociones, ya que algunas de ellas comparten una base emocional, como por ejemplo la tristeza. Además, la experiencia personal, los recuerdos adquiridos y el entorno cultural influyen en cómo percibimos la música.

Es importante destacar que todas las selecciones son de música instrumental, es por esto que trato de evitar letras, para que el alumnado se pueda concentrar más en el aspecto musical en lugar de en el mensaje lingüístico, ya que la música tiene la capacidad de provocar emociones relacionadas, en parte, con diversos aspectos de su estructura musical. En términos generales, observamos que elementos como el ritmo, la melodía, la armonía, el tono, la tonalidad, el volumen e incluso el silencio, todos ellos forman parte de la estructura musical y contribuyen a los efectos emocionales que la música puede generar.

Ritmo: La pulsación, ya sea rápida o lenta, provoca respuestas físicas directas. Ritmos lentos inducen a la calma, mientras que los rápidos incitan al movimiento. La irregularidad puede sugerir alegría, mientras que la regularidad puede evocar tristeza.
Melodía: La melodía, expresada a través de instrumentos como el violín o el piano, impacta en nuestra dimensión emocional y puede evocar recuerdos. Una variación melódica marcada se asocia con la alegría, mientras que una variación mínima puede vincularse con la tristeza.
Armonía: La armonía afecta nuestra dimensión más espiritual. Sonidos armónicos suaves proporcionan serenidad, mientras que armonías disonantes pueden generar irritabilidad y ansiedad.
Tono: Los sonidos graves tienen efectos calmantes, mientras que los agudos son estimulantes. Los tonos graves se asocian con tristeza, mientras que los agudos pueden relacionarse con la alegría.
Tonalidad: Las tonalidades mayores generan euforia, mientras que las menores melancolía. La interpretación puede variar según el entorno cultural..
Volumen: Volúmenes altos pueden provocar alegría, pero un exceso puede volverse insoportable. Las notas agudas a bajo volumen son antidepresivas, mientras que las agudas a alto volumen pueden ser irritantes.
Silencio: La ausencia de sonido también tiene un impacto significativo, aumentando la atención y creando expectativas de temor o sorpresa. La falta de sonido, paradójicamente, nos afecta emocionalmente.

TERNURA: Träumerei. Escenas de niños op. 15 nº 7 (Robert Schumann
AMOR: Liebestraum nº3 en La b Mayor, Sueño de amor (Franz Liszt)
ODIO: Danza de los caballeros (Sergei Prokofiev)
ALEGRÍA: Concierto para piano nº 17 K453 (Mozart)
TRISTEZA: Les larmes de Jacqueline (Offenbach)
ASCO: Threnody to the Victims of Hiroshima (Krzysztof Penderecki)
ADMIRACIÓN: . Rhapsody on a Theme of Paganini (Rachmaninoff)
FRUSTRACIÓN: In the Hall of the Mountain King (Edvard Grieg)
CURIOSIDAD: The Moldau (Bedřich Smetana)
MIEDO: Night on Bald Mountain (Modest Mussorgsky)
CALMA: Gymnopédie No. 1 (Erik Satie)

2. TEMAS TRANSVERSALES:

ENLACE: TemasTransversales_Playlist

CONTEXTUALIZACIÓN:

Esta playlist ha sido diseñada para tratar temas transversales en el currículo de primaria, es decir, aquellos que se integran de manera paralela al plan de estudios convencional. El propósito fundamental es impulsar el desarrollo integral de los estudiantes de primaria, aprovechando la música como un medio pedagógico efectivo y enriquecedor.

EDUCACIÓN PARA EL CONSUMIDOR:

1. Higher Power - Coldplay

Esta actividad se centra en una canción específica utilizada en un anuncio real, para que el alumnado pueda analizar cómo la música se integra en el mensaje publicitario del BMW iX. Además, promueve la conciencia crítica sobre cómo la elección musical puede afectar las percepciones del consumidor y la identidad de la marca.

Comenzaremos reproduciendo la canción "Higher Power" de Coldplay y posteriormente les haremos preguntas como "¿A qué os recuerda la canción?", "¿Os evoca alguna imagen o situación específica?". Luego, reflexionaremos sobre el papel de la música en los medios de comunicación, centrándonos especialmente en su uso en la publicidad. Se plantearán preguntas clave, como:

¿Qué emociones o estados de ánimo sugiere la música de "Higher Power" y cómo puede contribuir a la percepción positiva del vehículo BMW iX?
Si tuvieras que sugerir otra canción para este anuncio, ¿cuál sería y por qué? ¿Cómo cambiaría la percepción del anuncio si la música fuera diferente?
¿Cómo la música puede influir en nuestras emociones y percepciones?
¿Creéis que la elección de una canción específica puede cambiar la forma en que percibimos un producto?

ACCIONES COMUNITARIAS:

2. Eighty-One - Miles Davis

Esta actividad se enfoca en explorar el tema transversal de acciones comunitarias mediante el análisis de un ensemble de jazz. La elección del "Second Great Quintet" de Miles Davis muestra la colaboración y química musical entre sus miembros icónicos, reconocido por la capacidad única de cada músico para expresar su individualidad dentro del grupo.

El propósito principal de esta actividad es plantear preguntas al alumnado para reflexionar sobre cómo cada integrante del "Second Great Quintet" contribuye al conjunto en su totalidad, estableciendo una analogía entre la colaboración musical y las acciones comunitarias. Se busca resaltar cómo la expresión individual es crucial para el éxito del ensemble, de manera similar a cómo la contribución individual desempeña un papel vital en iniciativas comunitarias.

PENSAMIENTO CRÍTICO Y RESOLUCIÓN DE PROBLEMAS

3. Sinfonía No. 9" (Coral) - Beethoven

El objetivo fundamental de esta actividad es presentar a Ludwig van Beethoven, utilizando su inspiradora historia como vehículo para desarrollar habilidades de pensamiento crítico y resolución de problemas. Al introducir la "Sinfonía No. 9" (Coral) y explorar los desafíos personales que Beethoven enfrentó, los estudiantes no solo aprenderán sobre la historia de este genio musical, sino que también cultivarán habilidades cruciales para enfrentar obstáculos en sus propias vidas comprendiendo cómo la creatividad puede florecer incluso en circunstancias desafiantes. Aprovecharemos para hablar sobre las estrategias inusuales que Beethoven utilizó para seguir componiendo, como la campana metálica en el piano o desmontar las patas del mismo para sentir mejor las vibraciones de las teclas.

COMPRENSIÓN LECTORA

4. Rosa de Paper - Miquel Gil

El objetivo de esta actividad es desarrollar y fortalecer la comprensión lectora de los estudiantes a través de la exploración de poemas musicalizados del reconocido poeta valenciano, Vicent Andrés Estellés. Dado que Estellés es un referente literario en nuestro contexto, la actividad también busca que el alumnado conecte con la herencia cultural y lingüística local.

CULTURA EMPRENDEDORA

5. Jamaleònics

El objetivo de esta actividad es promover la cultura emprendedora entre el alumnado mediante el uso de la música como vehículo inspirador presentando las historias de cantantes emergentes, que han tenido que superar obstáculos para hacerse un hueco en la industria musical desde cero. También les ofrecemos ejemplos de personas que han alcanzado el éxito a través de la autenticidad, la perseverancia y la innovación en la industria musical, para poder motivarlos a verse a ellos mismos como agentes capaces de construir su propio camino hacia el éxito.